谈到音乐混音这门艺术，Universal Audio 的Daniel Keller 总是有些忐忑。

毕竟，与他撰写过的许多主题相比，混音的主观性极强。

一个人眼中的绝妙混音，在另一个人看来可能就是噩梦。

适用于一种音乐类型的混音，对另一种音乐类型来说可能完全不适用。

继续阅读，看看你是否同意他的观点…… 从最基本的层面来说，立体声混音是指针对人脑和生理机能进行混音。

“真正的”立体声混音旨在创造一种声音图像，这种图像能够再现我们双耳在现实世界中听到的声音以及大脑解码的声音。

例如，大脑通过测量到达双耳的声音之间的时间和音调差异来定位声音。

在理想情况下，真正的立体声混音应该创造出尽可能接近现场演奏的真实声音。

但在现实世界中，立体声混音的制作过程远非自然或有机。

部分原因是出于实际考虑。

在现场演出中，场地本身的声学特性在融合声源和掩盖特定乐器的定位方面起着至关重要的作用。

而在录音棚里，音轨通常是在相对干燥的环境下单独录制的，这使我们能够借助技术手段来控制它们所呈现的氛围感。

实际上，现代立体声混音与其说是为了还原真实世界的声音条件，不如说是为了在录音中创造各种音乐元素之间良好的平衡。

可以说，大多数现代录音与乐队在听众面前现场演奏的声音只有些许相似之处。

好的混合需要具备哪些条件？ 如前所述，好听的混音很大程度上取决于听众的感受。

但大多数工程师都会认同，好的混音应该包含一些共同的特征： 清晰度：混音中的每个声音都应该干净清晰——声音或立体声图像不应浑浊或模糊，不应有过多的噪音或其他异常情况。

分离度：每种乐器和声部都应该清晰可辨。

当然，如果你追求的是“音墙”效果，那也无可厚非，但即便是在那些浑厚饱满的吉他声中，优秀的混音也应该足够清晰分明，让听众能够分辨出每个声音。

平衡：混音应保证各频段的良好平衡。

低音过重或高音过尖锐都会让人感到不适和疲惫。

此外，左右声道也应保持平衡。

空间：如同平衡一样，这一点体现在很多层面。

音乐本身应该留有空间——音符之间应该有呼吸和动态发展的空间。

当然，这会因音乐类型的不同而有所差异。

每种乐器也应该具有一定的自然氛围感，并且不同乐器的氛围感应该彼此和谐融合。

毋庸置疑，这些特性本身并不能构成完美的组合，但缺少其中任何一个特性，最终都很可能至少会带来一些问题。

一切始于源头 毋庸置疑，最好的混音始于好的录音。

从一开始就从歌曲和编曲的角度来思考是个好主意。

只添加编曲所需的部分，而不是用大量的叠录来堆砌音轨。

尽量减少每个部分的录制次数；

没有什么比反复聆听几十个版本的演唱或独奏来合成一个音轨更让人精疲力竭的了。

事实上，在录音过程中做好混音规划可能是录音过程中最容易被忽视的问题。

尤其是在如今的 DAW 软件提供了近乎无限的音轨数量的情况下，人们很容易就录制多轨，然后抱着“混音再修”的态度。

但最终，你花在混音上的时间绝对会让你付出代价。

混音音量过高会影响你的声音感知，这些响度曲线图就证明了这一点。

做好准备 就像任何艺术创作一样，每个人都有自己的一套技巧和方法，适合我的方法可能并不适合你。

但有几点几乎是通用的。

首先，要尽量用全新的视角进行混音。

如果你连续录音八小时后才开始混音，那么第二天你几乎肯定得重头再来。

其次，尽量保持较低的音量——过大的音量必然会影响你的听觉（更多信息，请在网上搜索“弗莱彻-芒森曲线”）。

此外，混音时要记得经常变换视角。

当你坐在音箱之间的最佳听音位置时，混音听起来可能很棒，但真正的考验是在走廊里，或者通过便携式音响或车载音响聆听。

我们都听过有人用视觉方式来比较混音，甚至还有专门的课程强调这个概念，用不同颜色的“球体”来展示混音中各个部分的位置。

这确实是个有趣的想法，但我个人更喜欢完全不借助视觉元素。

事实上，我最喜欢的混音方法是闭上眼睛聆听。

我发现，排除视觉干扰能让我更专注于听到的声音。

单声道的乐趣 在混音过程中，定期用单声道模式检查混音效果非常重要。

这样做的主要目的是避免与吉他、键盘等立体声音源出现相位问题。

但用单声道检查混音还有其他好处。

单声道聆听往往会使混音显得“扁平化”，让你对音轨之间的自然分离度有不同的感受。

本质上，如果单声道听起来干净清晰，立体声听起来也会不错，反之则不一定。

话虽如此，我们还是来区分一下在单声道模式下检查立体声混音和先用单声道构建混音再扩展成立体声的做法。

虽然我交流过的许多工程师都对这种技巧推崇备至，但我个人（当然，这带有一定的主观性）认为，立体声混音需要完全不同的方法，就像环绕声混音与立体声混音的区别一样。

鼓和贝斯——从基础开始 大多数情况下，低频声音放在声像正中间效果最佳。

由于低频声音缺乏方向性，并且包含了混音中大部分的能量，因此最好将这些声音放在混音的中间位置。

通常，在摇滚或流行音乐混音中，鼓和贝斯是大多数人首先要处理的元素。

虽然没有硬性规定，但大多数混音都是从听众视角出发，设置鼓的立体声像。

这意味着，对于右手鼓手来说，底鼓和军鼓会位于中间，踩镲会略微偏右，而吊镲则会完全偏左和偏右。

根据鼓手鼓组里嗵鼓和其他乐器的数量，通常最好为每个乐器在立体声声场中创造一个自然的位置。

例如，如果鼓手有三个嗵鼓，我通常会把中间的嗵鼓放在正中间，另外两个嗵鼓则分别放在大约9点到10点钟和2点到3点钟的位置，具体位置取决于我想要的声场宽度。

当然，这一切的前提是你采用的是目前标准的录音方式，即在每个鼓上放置一个麦克风，再加一对顶置麦克风，甚至可能还会加一些远距离麦克风来拾取房间混响。

一般来说，你会发现顶置麦克风和房间混响的用量越多，鼓声的“定位感”就越弱。

话虽如此，我参与过的最有趣的录音之一，只用了四支麦克风——一对立体声麦克风放在离鼓组几英尺远的地方，另外一对环境麦克风则放在房间角落里，距离鼓组大约15英尺。

制作人是一位经验丰富的老派录音棚老手，我们花了几个小时，一点一点地调整麦克风的位置，这里挪半英寸，那里转四分之一圈。

最终得到的鼓组混音虽然确实保留了一些自然的立体声效果，但本质上更接近单声道。

你可能会认为这意味着缺乏深度，但结果却恰恰相反。

事实上，减少声像定位和空间感反而会带来更大、更清晰、更具冲击力的鼓声。

立体声吉他——一些小技巧 将吉他以立体声混音是增加混音深度的好方法，尤其是在混音非常复杂的情况下。

将吉他声部分散开来，可以为贝斯和其他位于声像中心的乐器腾出空间。

尝试降低一些中低频，以消除中频的浑浊感——尤其是在使用D型或其他大琴体原声吉他时。

增加高频也可以，但通常会放大指弹噪音。

尝试用一对指向性麦克风录制原声吉他，一个指向音孔下方琴身，另一个指向琴颈顶部。

将它们分别置于大约9点钟和3点钟位置，应该能获得不错的宽广立体声效果。

或者，也可以尝试使用中侧拾音法。

双吉他音轨是增加音色深度的另一种好方法。

将原声轨放在一侧，添加延迟（5 到 15 毫秒是一个不错的起始值），然后将延迟返回的信号放在另一侧。

稍微调整一下混响和/或均衡设置，可以让音色更加饱满。

手动双轨录制吉他（也就是实际录制同一部分两次）可以带来更有趣的效果。

尝试用两把不同的吉他录制同一部分。

如果这不可行，可以尝试用不同的调弦或变调夹录制同一部分。

例如，如果歌曲是G调，第二次录制时将变调夹夹在第五品，用D调演奏。

或者将吉他降一个全音，用A调演奏。

另一种为单声道吉他音轨添加双声道录音的方法是，将其送回吉他音箱，然后用两支不同的麦克风分别从房间内的两个不同位置拾音。

或者，也可以将音轨分别送入两台设置不同的音箱进行录制。

融合主唱和伴唱 虽然主唱通常是最突出的，但你可以尝试用各种不同的方式来处理和声。

将和声分散到立体声场中可以很好地拓宽音轨，但尽量不要太宽——对于大多数混音来说，9点钟和3点钟的位置就足够了。

对于大多数和声，效果器都是不错的选择；

一些混响和合唱效果可以很好地融合各个声部，并使其更好地融入混音中。

将伴唱分别置于左右声道，主唱置于中间，是一种常用的技巧，在大多数情况下效果都很好。

但如果你想尝试一些不同的效果，可以试试将主唱稍微偏向一侧，伴唱则偏向另一侧。

还有一些其他方法可以尝试 不要害怕在混音中采用不对称的布局，将不同的元素放置在左右两侧。

特别是对于弦乐音色和其他经过大量合唱处理的合成器音色，即使音量不大，如果将它们的声像定位过宽，也可能导致它们在混音中占据主导地位。

例如，与其将某个声部分别定位在9点钟和3点钟的位置，不如尝试更窄的定位，比如1点钟和3点钟的位置。

当然，你可能需要在另一侧添加一些其他元素来平衡整体，但这确实是避免声音过于混浊、缺乏焦点的好方法。

事实上，最好确保混音中至少有一些元素保持单声道。

虽然那些饱满的合唱音垫和混响单独听起来很棒，但如果把它们一股脑地堆砌起来，很容易让你的混音变成一团乱麻。

始终保留一些单声道部分，以赋予它们定位感。

使用单声道混响可以营造出氛围感，而不会破坏它们的方向性。

一个非常有效的技巧是使用延迟混响而不是仅仅调整声像，这样可以营造出更自然的环境音效。

将原声轨调整到大约9点或10点钟方向的一侧，添加一个短延迟（小于10毫秒），然后将延迟后的信号调整到另一侧；

最后，给延迟后的信号添加一点点混响。

这样得到的效果会比仅仅使用声像控制更加自然。

原因如下：我们的耳朵和大脑会利用多种听觉线索来感知声源，包括左右耳之间声音的时间、音量甚至音调的差异。

声像旋钮只能调节音量差异。

而将声音延迟到一侧并添加一些反射，就能营造出更自然的环境音效。

你还可以尝试稍微降低延迟后声音的高频，以模拟头部遮挡部分声音的效果。

另一种拓宽音轨的技巧是将其声像定位到一侧并添加立体声混响；

这样就能营造出自然的氛围，并在一侧增添一些额外的“冲击力”。

或者，尝试只在立体声轨道的一侧添加非常柔和的单声道合唱效果。

扬声器之间的移动可以增加有趣的深度和空间感，尤其适用于弦乐和其他合成器音色。

当然，还有更多。

尽管我尽量只谈一些非常笼统的概念，但混音本身就是一个可以写成几百页的话题。

不过，最后我想强调两点。

首先，一切都要以歌曲为中心。

无论你在混音中加入多少炫酷的技术技巧，如果与歌曲本身不搭调，一切都是徒劳。

聆听歌曲，只给予它真正需要的东西——不多不少，恰到好处。

这再次引出了我的第二点，也是我几乎每篇文章都会提到的一个建议——你的耳朵是你最重要的工具。

学会聆听是音乐中最重要的一课，无论你是演奏、录音、混音还是母带处理。

不要害怕尝试新事物。

而且，一如既往，让你的耳朵指引你。

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